SERIES CON  AUDIENCIA

 Lucifer, The walking dead y El infiltrado

Lucifer

           Una de las series más esperadas es Lucifer, junto a Legends of tomorrow. Ya ha sido pirateada, como ha ocurrido incluso antes de su emisión con algunos episodios de la quinta temporada de Juego de tronos o de Supergirl.  Ha sido producida por Warner y emitida por Fox, que también lo hará en España. El piloto de Lucifer se emitió en julio de 2015 y la emisión de los primeros doce episodios se inició  el 25 de enero de este año. Está basada en The Sandman, un comic escrito por Neil Gaiman e ilustrado por varios dibujantes con estilos adaptados a los fascículos que se publicaron con gran éxito entre 1989 y 1996.  Tom Kapiros es el creador de la serie, que  ha alcanzado  un anterior éxito con la serie Californication (2007-2014), protagonizada por un escritor en crisis de vida disipada que intenta conciliar con su trabajo y familia. En Lucifer  el protagonista es el actor galés Tom Ellis, bien conocido por series británicas y últimamente, como invitado en series norteamericanas. Lucifer, el Príncipe de los Infiernos, aburrido y desdichado, decide dejar su reino al cuidado de otros dos ángeles caídos y trasladarse a  Los Ángeles, atraído por su ambiente fascinante y pervertido. Lucifer es dueño de un night club y se desenvuelve en un ambiente elegante y sensual, donde decide asesorar a la policía. Entre sus amigas está la detective de la policía Chloe (Lauren German) que recurre a Lucifer para que le ayude a resolver el caso de una estrella que ha aparecido asesinada flotando en la piscina. A resolver los problemas de la compleja personalidad de Lucifer le ayuda  una psicóloga, que es otra de sus bellas amigas. El tono de misterio y thriller tiene siempre un toque humorístico  y quizás otros puedan considerarla como una serie policíaca, pero su desarrollo no ha colmado las expectativas.

Lucifer

           Las asociaciones de espectadores, principalmente la de los católicos, desaconsejan la serie. Les parece que Lucifer con su actuación contra el crimen es una forma de redimirle y hacer un héroe de Satán. También se ocupan de la serie en las redes sociales los espectadores de ideas vanguardistas que defienden que Dios encargó a Lucifer la misión de ocuparse de las almas condenadas y que el poder de Dios puede redimir cualquier pecado,incluido el de soberbia. Los polemistas en favor de la fe tradicional parecen estar muy dudosos sobre las palabras de Juan Pablo II en las que afirmaba que el infierno no existe,  sino que es el estado de los que se han separado de Dios, y creen que Benedicto XVI lo   recuperó y también discuten  la interpretación de la Biblia sobre este tema.  Realmente estas críticas están muy lejos del sentido de entretenimiento de la serie, que posee una estética moderna, una realización brillante en espléndidos escenarios naturales de Los Ángeles y en ambientes elegantes, en los episodios emitidos hasta ahora y resulta lograda  la unión de fantasía y comicidad.

     

               El primer episodio de la sexta temporada de The walking dead (AMC, 2010-presente) ha sido visto en EEUU por trece millones de telespectadores, un amiento notable respecto a su presentación, en la primera temporada, que tuvo cinco millones y ha dado ya lugar a un spin-off, Fear the walking dead. Esta serie ultragore se ha convertido en un fenómeno de la cultura pop. Su guionista principal Frank Darebont, especialista del género y la productora  ejecutiva principal Gale  Anne Hurd, conocida por Terminator y Alliens, impulsaron la serie basada en el comic original de Robert Kirkman aparecido en 2003. Tras la epidemia que redujo la población y convirtió a una gran parte de la misma en zombis, muertos vivientes, que llaman "caminantes", en las temporadas siguientes hemos asistido a la huida de un grupo de hombres y mujeres liderados por un antiguo oficial de policía Rick (Andrew Lincoln), refugiándose en distintos lugares, primero a través de Atlanta, luego en una antigua prisión, en un lugar seguro Terminus y finalmente  en Alexandra, donde les espera una nueva amenaza con la que comienza la sexta temporada. Como en todos los relatos post-apocalipsis hay un  análisis de la sociedad, darwinismo, lucha por la supervivencia, pérdida de los valores morales, junto a un intento de recuperar el "paraíso perdido", lo que resulta imposible. Los valores de la conciencia humana han quedado borrados y para el grupo humano son más peligrosos los otros humanos, que los propios zombis,  convertidos en espectadores de esas luchas humanas. La puesta en escena  y las imágenes crean perfectamente el ambiente de un mundo tras la apocalipsis, en el que impresiona el silencio, ya que solo se oyen los ruidos de la naturaleza  y los que producen los zombis. Hay violencia y desprende la idea de que para sobrevivir en esa situación hay que convertirse en una bestia y que los ensayos de construir una sociedad resultan totalitarios. Sus fans, a los que muchos comentaristas denominan geeks  por el gusto por estas realizaciones marcadas por la tecnología y los efectos, continúan aumentando en todo el mundo, dando lugar a comentarios que arrancan en Descartes sobre  si el ser se compone de cuerpo y mente y si los valores mentales pueden perderse, como parece ocurrir en la serie.

        Dos años y medio han transcurrido desde el final de Doctor House y la personalidad de su protagonista sigue identificando a Hugh Laurie. Pensó retirarse y dedicarse a su familia y a su carrera musical, presentando su segundo álbum, Didn´t it rain, homenaje al sonido de Nueva Orleans, pero decidió aceptar un papel de traficante malvado en El infiltrado (The night manager), una colaboración de BBC y AMC (2016). Su imagen arrogante y excéntrica se conserva, así como su complejidad sicológica. Realmente todos los personajes de la serie forman un cuadro sicológico complejo, como se comentó en la presentación de la serie en la Berlinale. A la directora de la serie, Susanne Blier (ganadora con Un mundo mejor del Globo de Oro y el Oscar a la mejor película de habla no inglesa, ya que es danesa), le pareció un cumplido y añadió que era un reto adaptar en el cine una novela de John Le Carré, del mismo título. Es una serie de espionaje con atractiva realización, rodada en Londres, Mallorca, Marruecos y Suiza.  Tom Hiddleston, que alcanzó fama con el personaje Loki en Thor de Marvel, es el director de noche del hotel de lujo en Zurich, antiguo agente secreto británico al que le piden que se infiltre en la organización del traficante de armas (Hugh Laurie), "el hombre más malo del mundo", según Le Carré. Serie alejada de James Bond, aunque tiene también un brillante look y una trama intrigante, pero en la que importa la conducta y las razones de los distintos personajes,  y el respeto a la verosimilitud. El mundo del espionaje  que describe Le Carré sigue manteniendo su originalidad, como recientemente vimos en El topo.

         

          EL NUEVO CINE MEXICANO

           Las desgravaciones del artículo 189 

           Continúa presente el gusto por la innovación  

            La renovación de los años 60 y 70 del cine méxicano

            

           Cada generación designa a los directores que triunfan en ella como nuevo cine. En la actualidad  en México hay  tres directores, en estos momentos, con fama internacional: Alejandro González Iñarritu (Amores perros, El renacido), Alfonso Cuarón (Solo con tu pareja, Gravity, Roma) y Guillermo del Toro (Cronos, El laberinto del fauno, La forma del agua). Junto a ellos hay un notable grupo de directores, muchos de ellos jóvenes con películas independientes: Alex Ramírez (Todos hemos pecado), Michel Franco (Daniel & Ana). Gerardo Naranjo (Miss Bala), Fernando Embecke (Club Sandwich), Carlos Reygadas (Tenebras Lux), Luis Estrada (El infierno), Claudia Daniel Luce (Los insólitos peces gato), que se amplía con un conjunto de directores de similar talento. Todos se han beneficiado del notable periodo creativo méxicano, el auténtico "nuevo cine mexicano", que coincidió con la renovación cinematográfica en la mayoría de los países iberoamericanos. En la década de los 40 y gran parte de los 50, el cine mexicano ocupó un lugar preponderante con películas dirigidas al gran público, bien realizadas, con una utilización inteligente del star sysstem y llegó a ser una industria en gran parte, por el hundimiento de su gran rival el cine argentino, afectado por las simpatías nazis de su Gobierno. A mediados de los 50 estaba ya falto de ideas y precisaba una renovación. Factor del dessarrollo del cine mexicano desde hace nueve años es el artículo 189 de la Ley del Impuesto sobre la Renta, que permite desgravar hasta el importe de la inversión en largometrajes de ficción, animación y documentales. La producción se ha elevado a 130 películas anuales.

Pedro Páramo

       El  anuncio de los tiempos nuevos en los 50 llegó con Carlos Velo , quién ya había realizado documentales en España durante la República, antes de exiliarse en México. Fue con Raíces (1953), en cuyos títulos aparece solo como Supervisor de dirección y guionista, ya que no la pudo firmar por problemas sindicales. Oficialmente el director es Benito Alazraki. Es una película indigenista, rodada en el Valle del Tajín y en Veracruz, compuesta de cuatro episodios.Transcurridos unos años, Carlos Velo lleva al cine la famosa novela de Juan Rulfo, con guión escrito por Carlos Fuentes y Manuel Barbachano, Pedro Páramo (1966). Es una adaptación fiel, pero Velo se aleja del tono de misterio de la obra original. Otro precursor, con una observación rigurosa de la vida indígena en Tarahumara (1964), fue Luís Alcoriza, con un tono documental en la ficción. Y otra obra renovadora, que se convirtió en película de culto es En el balcón vacío (1961) de Emilio García Ascot, hijo de un diplomático español de la República que se exilió en México.  “No quisimos hacer una película sobre lo que fueron y representan la guerra civil y el exilio español como fenómenos políticos y sociales, sino evocar la búsqueda del tiempo perdido, del destierro y la infancia que nos quitaron”, decía María Luisa Elio, guionista de la película.

La soldadera

    Las producciones eran de menor costo. Destacó entre ellas En este pequeño pueblo no hay ladrones (1965), que Alberto Isaac rodó basándose en un cuento de  García Márquez. Una de las películas más populares fue Los caifanes (1966) de Juan Ibáñez con argumento de Carlos Fuentes. Ibáñez unió cinco cortos, creando un largometraje con una continuidad perfecta.  Hubo una notable relación entre los nuevos  directores y los escritores de prestigio. En Parque Hondo (1965), el episodio dirigido por Salomón Laiter, Viento distante y el de Manuel Michel, Tarde de agosto, se basan en dos cuentos de José Emilio Pacheco y el dirigido por Sergio Véjar, El encuentro, es un cuento de Sergio Magaña. Los buenos resultados se confirman con Los bienamados, también conocida con el título de Amor, amor, amor, (1965), formada por cinco episodios: Tajimara de Juan José Gurrola, basado en un relato de Juan García Ponce, Alma pura de Juan Ibáñez basado en un cuento de Carlos Fuentes, La Lola de mi vida de Manuel Barbachano Ponce, sobre texto de Gabriel García Márquez, Las dos Elenas de José Luís Ibáñez, sobre texto de Carlos Fuentes y La sumanita de Héctor Mendoza, sobre texto de Inés Arredondo; estos tres últimos episodios debido a la duración tuvieron una explotación independiente.  La novela de John Reed sobre la revolución sirvió a Paul Leduc para realizar con aliento poético Insurgentes (1970). La productora Marte impulsó La soldadera (1966), dirigida por José Bolaños con el tema de las mujeres que acompañaban y ayudaban a los soldados en la revolución, tema que Eisenstein iba a incluirlo en ¡Qué viva México! (1931-1932), pero no pudo hacerlo al interrumpirse el rodaje. José Bolaños realizó en 1977 una nueva adaptación de la novela de Juan Rulfo, Pedro Páramo, en tono de relato gótico.

               Junto a estos nuevos directores, interesó mucho El cumpleaños del perro (1974) de Jaime Humberto Hermosillo, sobre el nacimiento de una amistad entre dos socios de diferente edad, que tratan de sacar adelante un negocio con el fin de vivir con libertad y emanciparse de la dependencia a la  que se ven sometidos por parte de sus esposas. Hermosillo realizó una película admirada por los cinéfilos, Pasión según Berenice (1975), sobre una joven viuda que vive reprimida con su tía en la ciudad provinciana de Aguas Calientes, que al conocer a un joven descubre el amor y el erotismo. Más experimental es la divertida Pafnucio Santo (1976) escrita y dirigida por Rafael Corkidi.  “Las películas de Cantinflas representan el cine de los 50 y están teniendo menos público, a causa de la disminución del analfabetismo. Es una buena señal", afirmaba Felipe Cazals partidario de un nuevo cine. Había tenido éxito con Emilio Zapata (1970), con influencia del western. Fue el director elegido para realizar el gran proyecto de la presidencia de Echeverría, Aquellos años (1972) para conmemorar los años revolucionarios y el Centenario de Benito Juárez. Fue muy difícil escribir el guión. Contiene un exceso de datos y de frases históricas. Fue la última película de alto presupuesto de este periodo y realizada, pese a todo, con solvencia e innovaciones de lenguaje. Denunció unos hechos reales, vergonzosos, en Canoa (1975). La película se inicia con la visión de unos cadáveres y hombres heridos. Los supervivientes relatan lo sucedido. Cinco amigos que trabajan en la Universidad deciden irse a practicar el alpinismo. Deben pasar la noche en el pueblo, pero el cura, al saber que son de la Universidad, los acusa de ladrones, violadores de mujeres y enemigos de la religión. . Los vecinos asaltan la casa donde duermen y acuchillan y apalean a los visitantes y a los dueños de la casa. Canoa intercala las declaraciones y los actos de violencia salvaje. Cazals representa el nuevo concepto del cine.

  

      La pasión radical por el cine, que mantiene hasta hoy, la representa, desde la niñez, la vida de Arturo Ripstein, que afirmó su vocación de director viendo Nazarín de Luis Buñuel, a quien pidió permiso para asistir al rodaje de El ángel exterminador.Arturo Ripstein empezó su carrera en el cine, cuando tenía veintiún años, con un guión basado en un texto de Gabriel García Márquez, entonces un autor desconocido, dedicado a la publicidad. El propio García Márquez y Carlos Fuentes adaptaron Tiempo de morir (1965). Emprende la senda renovadora al realizar El castillo de la pureza (1972), una crítica del sistema educativo implantado durante la etapa del Presidente Porfirio Díaz.  Vuelve a buscar la innovación con Turno de oficio (1973), film de alto presupuesto, sobre los judíos conversos al catolicismo, que llegaron con los españoles a  Nueva España.  En un lugar sin límites (1977), adapta la novela del escritor chileno José Donoso, que coincide con su mundo creativo. Es un descenso al infierno.Ripstein inició su colaboración con Paz Alicia García Diego, como guionista, en Mentiras piadosas (1988), y el resultado son películas muy hermosas, de gran impacto internacional, como La mujer del puerto (1991) o Principio y fin (1993). Ripstein utiliza la forma del melodrama, dotándole de humor y de un aire de esperpento, mostrando secretos de la vida, los motivos ocultos de las conductas y la descomposición de la sociedad, en apariencia asentada en unos valores burgueses. Continua con su afán renovador en la actualidad, como en La virgen de la lujuria (2005) o  La calle de la amargura (2015).

El ángel exterminador

        Luís Buñuel, es en este periodo un autor excepcional, que se incorporó al cine mexicano  de los años 40-50 y su genio innovador abrió caminos y ofreció obras maestras durante los siguientes años. Poseía estilo sobrio, una imaginación desbordada y un sentido del humor con raíces en el surrealismo y en Sade. El cine mexicano de Luís Buñuel, exiliado español, es la parte más importante de su obra, tanto por el número de películas rodadas, 20 de un total de 32, como por su calidad, como  Los olvidados (1950) y Él (1952-1953). El gusto de Buñuel por lo inverosímil y el absurdo está en una  comedia subyugadora, La ilusión viaja en tranvía (1953). El universo de Sade, el surrealismo y el humor negro marcan  Ensayo para un crimen, que fue distribuida internacionalmente con el título de La vida Criminal de Archibaldo de la Cruz (1955).  Su denuncia del derrumbe de valores sociales forma una trilogía, Nazarín, Viridiana, rodada en España y El ángel exterminador. Buñuel tiene muchos puntos de contacto con el universo galdosiano, por lo que estaba muy interesado en rodar la novela de Benito Pérez Galdós, Nazarín (1958). Hay múltiples interpretaciones de El ángel exterminador (1962) desde la lucha de clases a las tesis de Hobbes y de la filosofía o la religión, debido a la estructura narrativa, experimental, que incluye la repetición de muchas escenas, acorde con el sentido repetitivo de la vida. 

                 En los creadores actuales del cine mexicano perviven afortunadamente el gusto experimental de estos años.

           RELATOS CORTOS

      El cortometraje tiene el mismo valor artístico que el largometraje

      La necesaria exhibición en salas de los cortos

  

Trueno rojo

                     Las películas, largometrajes y cortometrajes, son productos que se completan con la proyección en las salas de cine. Otras modalidades de contemplarlas o explotarlas son alternativas. Las sesiones de cine comprendían la exhibición de largometrajes y cortos, hasta que el aumento de la duración de las películas, la aparición de nuevos medios de difusión y los cambios en la economía cinematográfica expulsaron los cortos de la mayoría de las salas. Los cortometrajes son arte en igual medida que los largometrajes y hay temas que requieren la duración de un cortometraje. Bastantes películas de largometraje no son más que un corto alargado. Los cortos subsisten cinematográficamente gracias a las pantallas de los Festivales de cine de cortometrajes, afortunadamente cada vez más numerosos, que cumplen esta labor artística y cultural. Y los conoce el público al leer los premios de Festivales, los Oscar o los Goya. Cualquier política cinematográfica requiere una atención mayor a la producción de cortometrajes y a su circulación por las salas.

Ballon rouge

          La década de los 50 conoció en España la explosión de los cine-clubs que entre sus sesiones dedicaban especial atención a los cortometrajes. Crin blanc (1953), historia de un caballo salvaje que solo se siente bien con un niño, y en especial Ballon rouge (1956) la ralación´de un niño con un globo que parece tener vida propia estaban entre las sesiones favoritas. Ambos de Albert Lamorisse habían obtenido la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Los cortos de dibujos animados de la UPA, creada por Stephen Bosustow tenían una estética diferente a Disney y se admiraba a Mr. Magoo, personaje que esquivaba los peligros sin darse cuenta y que confundía una farola con un guardia, siempre acompañado por su viejo perro y su sobrino que trataba de ayudarle. Y en el campo experimental eran fascinantes los cortos de Norman Mc Laren, como Neighbours (1952) y Blinkity blanc (1955), ganador de la Palma de Oro de Cannes en 1956. Era capaz de obtener dibujando y manipulando el celuloide, sin cámara, efectos que hoy se consiguen con alta tecnología e impregnaba sus obras de un espíritu contrario a la guerra y la violencia.

              Los directores de cine y los teóricos interesados en descubrir los secretos del lenguaje del cine analizaban las películas de Griffith, Pudovkin, Eisenstein o las obras de los expresionistas alemanes, en cambio los  pragmáticos desentrañaban  muchos de los secretos del montaje y encuadres de los cortos de humor  norteamericanos. El cine cómico impulsó los hallazgos de la expresión cinematográfica. Fueron decisivos un Pierrot fantástico, Harry Landgdon, la inteligencia de Roscoe Arbuckle, que es principalmente admirando como actor, nuestro “querido Fatty”, siendo también un director del nivel de Chaplin. El humorismo sobrio y serio de Buster Keaton, que participaba en el guión y la realización de las películas que interpretaba, marcó un estilo en One week y Playhouse (1922). Max Linder, rey indiscutible de la tarta y las persecuciones y Mack Sennet, dominador del absurdo y la comicidad grotesca, abrieron campos al montaje, al “gag” y a las situaciones cómicas. Chaplin alcanza un estilo propio de comedia visual a través de sus experimentos en numerosos cortometrajes. desde Ganándose la vida, Charlot vagabundo o Charlot prestamista.

Café para llevar

             Los cortometrajes españoles tienen  gran calidad, pero escasas probaibilidades de llegar a un gran número de espectadores. Aparte de los Festivales y algunas salas de cine, las Cadenas de televisión públicas y privadas deberían dedicar espacios de una hora a emitir cortometrajes con los que podrían crear programas atractivos. Los cortos son buenos y se puede contar con sus directores, actores o técnicos y en muchos casos con los making off. Constituyen un género expresivo, dentro del cine, que en un breve tiempo, normalmente entre 6 y 20 minutos,  cuentan cualquier tipo  de historia de manera creativa. Así hemos visto. este año,  El corredor de José Luis Montesinos, dura broma y venganza a un antiguo jefe de empresa, bien interpretado por Miguel Ángel Jenner y Luis Andrés o  Café para llevar de Patricia Font e interpretado por Alexandra Jiménez y Daniel Grao, un relato con intensidad de cómo un encuentro casual descubre un amor imposible. La animación española destaca por la creatividad también en los cortos, como Alike,  dirigido por Rafael Cano Méndez y Daniel Martínez Lara, una iniciativa de alumnos de Pepe-School Land y Digital Rebel School; utilizando el sistema Linux y aplicaciones como Blender, consiguen una animación, original y atractiva para comuncar lo equivocada que es a veces la enseñanza que los padres se empeñan en dar a sus hijos. Álvaro Ron ha rodado en Los Ángeles Trueno rojo, un buen ensayo de ciencia ficción.

El corredor

    El corto es la narrativa más utilizada en el cine con autores de gran talento. Es excelente el humor del corto británico Semáforos de Giullio Ricardelli rodado en la campiña sobre un guardia obsesionado por los semáforos de un viejo puente. El ambiente turbio del noruego Amor de Thomas Wangsmo, que nos muestra un joven con una anómala forma de aproximación a las mujeres. Entre los franceses destaca el número de cortos de animación, como Les escargots de Joseph de Sophie Roze  que narra la peripecia de un niño coleccionista de caracoles. En los Oscar de este año ha habido nominados muy valiosos, como la conmovedora y humorística historia de Tartamudo de Benjamín Cleary, ya que su protagonista debe enfrentarse a su defecto de dicción o Day one, singular relato del primer día de trabajo de un traductor con un grupo antiterrorista, cuando descubre la brutal realidad.  Los cortos no son solo empeños de jóvenes, así vemos en animación, a  un maestro, Richard Williams con  Prologue  en el que una niña cuenta el proyecto de Williams sobre la lucha de atenienses y espartanos o  Historia de un oso de Gabriel Osorio Vargas, que consigue que un oso en un teatro de marionetas cuente su propia historia. 

            

Alike

            Los cortos como los largos necesitan ayudas públicas y en mejores condiciones, existiendo en todos los países europeos. Las ayudas a los cortometrajes del ICAA son correctas. Los seleccionados sobre proyecto tienen como límites de la ayuda la inversión del productor o el 75% del presupuesto y las ayudas a los cortos realizados el 75% del costo. El problema es que la dotación presupuestaria es baja, por lo que se debería aumentar la partida que corresponde a ayudas a cortometrajes, ya que tiene que distribuirse entre todos los cortos seleccionados por la Comisión correspondiente. Y habría que apoyar con mayor amplitud la promoción nacional e internacional. En cuanto a promoción y posibilidad de ver cortos en pantallas todos los Festivales internacionales de cine les reservan un espacio, pero precisarían más apoyo público y de patrocinadores. Son los festivales específicos los que realizan una labor más importante, como el de Medina del Campo, Alcalá de Henares, Curtsficcions en Barcelona, Cinema Jove en Valencia. En realidad en todas las grandes ciudades existen estas manifestaciones. siendo varias las existentes en Madrid, como Fuenlabrada, Carabanchel o el Festival de Cortometrajes de Humor de la Comunidad de Madrid.


           

Prologue

           El Fondo de Protección a la cinematografía debe reservar entre el 17 y el 20% para las ayudas a jóvenes realizadores y a cortometrajes y de la parte destinada a promoción un 20% para ayudas a la difusión de cortometrajes y apoyo a los Festivales y Muestras de cortometrajes.

     LAS MEJORES SERIES POLÍTICAS 

Y MUJERES `PROTAGONISTAS 

         Seinfeld,  Crónica de un asesinato, El puente, Madam Secretary  y  Borgen

      Uno de los protagonistas de Seinfeld comenta en un episodio que está escribiendo los   guiones de una serie " que no trata de nada". Se ha interpretado como la definición de Seinfeld y por extensión de todas aquellas series y tertulias en las que aparentemente no discurren sobre un argumento, pero tratan de los temas más variados y actuales sin un orden predeterminado. Seinfeld se emitió durante nueve temporadas y no continuó porque sus creadores se negaron pese a ofrecerles una astronómica suma de dólares. El último episodio fue visto por 76 millones de espectadores en EEUU y fue la primera serie por la que se pagaba un millón de dólares por un minuto de publicidad. Escrita por Jeffrey Seinfeld y Larry David, está interpretada por el propio Seinfeld y cuatro amigos. Transcurre principalmente en su apartamento y en una cafetería. El inicio del primer episodio uno de los protagonistas reflexiona sobre si debe abrocharse un ojal o los dos del puño de su camisa, lo que indica el tono de la serie, en la que discuten desde cómo hacer un regalo, la presión del agua de la ducha o cómo impedir que tu novia corte contigo. A lo largo de las irónicas charlas se encierra una profunda reflexión sobre la conducta humana y la forma en que solemos reaccionar y comportarnos, expuesto con gran sentido del humos. Muchas de las frases de la serie se hicieron famosas, como el ¿En serio?, con que Seinfeld suele responder y que fue criticado por los que lo consideraban un escapismo. Jeffrey Seinfeld ostenta aún el récord de la mayor oferta rechazada en televisión, se negó a continuar la serie pese a que le ofrecieron 90 millones de dólares. Larry David escribió después una serie, también rompedora, en el mismo estilo de aparentemente carecer de argumento, Curb your enthusiasm, conocida simplemente como Curb y en España como Larry David (2000-2011). El protagonista, Larry David, es un escritor y productor de televisión, parcialmente retirado,  excéntrico que ha tomado conciencia en Los Ángeles. En sus situaciones se critican  numerosas reglas de conducta no escritas y al falso entusiasmo con que muchos enfrentan la vida.  Merece la pena volver a ver Seinfeld, ya que sigue siendo innovadora.

      La televisión cuenta con  muy buenas series protagonizadas por policías, detectives y abogados. Los daneses encuentran nuevas formas y relatos policíacos, no en vano los escritores nórdicos han renovado la novela negra y una de las mejores series policíacas de la BBC, Wallander, es un personaje creado por el novelista sueco Henning Mankell. La intriga y el thriller caracterizan sus recientes éxitos.  Crónica de un asesinato  (The killing. DR de Dinamarca con un grupo de productores suecos, 2007-2010), narra las investigaciones de una detective (Sofie Grablol) en medio de complicaciones personales y políticas. Se centra en las primeras veinticuatro horas de la investigación, hipótesis brillantes y actuaciones sorprendentes. Cada temporada es un caso de asesinato y se conoce a las víctimas, a sus familias y las reacciones de los políticos. Muy premiada, ha creado un estilo influyente. AMC ha realizado una adaptación norteamericana, con el mismo título, que continuó Netflix, la cadena que emitió en streamings las temporadas norteamericanas 2010 a 2014.  La aparición del cuerpo de una prostituta, cortado por la mitad, es el inicio de la primera temporada de El puente (SVT 1, Suecia y DR 1, Dinamarca, 2011-14). El hallazgo tiene lugar en el puente de Oresund, entre Suecia y Dinamarca, lo que determina  la colaboración de la policía de los dos países. Los protagonistas principales son una detective sueca ((Sofia Hellin) y uno danés (Kim Bodnia, sustituido por Thule Lindhart), que investigan un crimen distinto cada temporada, escritos por el novelista sueco Hans Rusenfeldt. Parte del éxito se debe a la distinta personalidad de los detectives de caracteres distintos, sus complicadas relaciones y su forma de resolver los casos.  FX de Fox realizó  la versión norteamericana.

Madam Secretary

    The good wife (CBS, 2009-2016), producida por los hermanos Ridley y Tom Scott marcó una nueva línea de drama y thriller, protagonizada por la esposa del Fiscaj General del Estado en la cárcel por sospechas en su conducta. Es la esposa de este Procurador quién debe sacar su familia adelante. Escribieron los guiones de sus primeras siete temporadas, los detacados creadores Michelle y Robert King. La fuerza de esta serie de abogados en Chicago procede de la protagonista Alicia (Julianna Margulies). CBS prosigue esta orientación con la serie, en segunda temporada, Madam Secretary  (2014-presente),  que está producida por Morgan Freeman y creada por Barbara Hall, productora en Homeland. Es una nueva serie política en la senda de Borgen. Una antigua directiva de la CIA, profesora de ciencias políticas (Tea Leoni), que vive retirada en su rancho con su esposo, profesor de teología, y su familia, es nombrada Secretaria de Estado y deberá conciliar con dificultades su actividad en el Gobierno y su vida familiar. Su actividad en el campo de las relaciones exteriores la llevará a algunas situaciones similares a las vividas por Hillary Clinton, por lo que algunos han interpretado como un apoyo a Hillary en su campaña, aunque los responsables de la serie lo han negado. Al igual que en The good wife es una apuesta de la Cadena por protagonistas femeninos que encarnan un papel social destacado y se ocupan de su familia.

 

Borgen

  
       Esta concepción  coincide con la serie danesa Borgen (DR, 2010-presente) que  se apartó de la orientación de series como House of Cards y se aproximó más al  Ala Oeste de la Casa Blanca, en las que la política está al servicio del país. Responde al hábito en los últimos tiempos de Gobiernos en minoría en Dinamarca, donde son necesarios los pactos. Ha sido escrita por Adam Price, uno de los guionistas y personajes de éxito de la televisión danesa, y se titula Borgen por el nombre con el que llaman los daneses al Palacio de Christiamburg, centro del poder en Dinamarca, ya que allí residen el despacho de la Primera Ministra, el Parlamento y el Tribunal Supremo. Se han rodado los exteriores de este Palacio y los interiores en edificios significativos de Dinamarca como el Ayuntamiento de Copenhague. Se ha convertido en un hito de la televisión esta serie, que protagoniza la Primera Ministra de Dinamarca (Sidse Babett Knudsen), quién se las ingenia para gobernar en minoría  y enfrenta las dificultades en su matrimonio y en la vida con sus hijos. Pierde el poder, crea otro partido y gana el suficiente número de diputados para ser decisiva y mantener su espíritu innovador. Otra de las tramas principales es la relación de su jefe de gabinete, y más tarde comentarista de televisión, con una brillante y agresiva periodista, que acabará colaborando con la protagonista, cuando ya no es Primera Ministra en su siguiente etapa de recuperación del poder. Es un reflejo auténtico de la vida política, de los políticos y de los medios de comunicación a través de personajes y escenas bien definidas. Su éxito responde en gran parte a su autenticidad y al deseo de hacer una política independiente de los poderes económicos, en favor de la igualdad y claramente democrática. 

   
ESTRATEGIAS Y CAMPAÑAS CINEMATOGRÁFICAS
      

MERCADO Y MARKETING EN EL CINE




Los Goya y los Festivales



     

La novia

        

                    El éxito en el mercado depende cada vez más de la promoción y publicidad, unidas al papel de las televisiones. Los Goya y la taquilla española de este año son una buena prueba. Las cinco películas nominadas a mejor película no están entre las más taquilleras, ni están participadas por el duopolio televisivo privado español. Truman, Un día perfecto, La novia, A cambio de nada, que han superado el millón de euros de recaudación y Nadie quiere la moche, los 600 000 euros, es decir a todas las podemos considerar películas, ya que la barrera entre película para salas y películas para televisión se encuentra en superar la recaudación de 500  000 euros, salvo excepciones. Pero quedan muy lejos de las de mayor recaudación, que todas están participadas por las televisdiones: Ocho apellidos catalanes, Telecinco, Perdiendo el norte, Atresmedia,  Regresión, producida por dos productoras internacionales y Mod Producciones en la órbita de Telecinco, y Atrapa la bandera, con una nominación por película de animación, de Atresmedia. La promoción y publicidad intensiva que realizan estas dos televisiones en sus emisiones convierten en éxitos de taquillas las películas en las que participan. Vemos como una película  no lograda, Palmeras en la nieve, con la participación de Atresmedia, supera ya los tres millones de recaudación. Estas películas tienen también valores expresivos, pero sus argumentos son más convencionales y nunca estarán, si las televisiones siguen la política actual,  entre las mejores obras de sus directores. Una finalidad básica de los Goya es promocionar películas y descubrirlas para el gran público, por lo que hay que esperar a comprobar el efecto Goya sobre las premiadas. El mercado es absolutamente necesario, pero se puede abordar siguiendo solo sus criterios o imponiendo el de los grandes creadores.

               Se entiende por mercado tradicionalmente el lugar físico donde se venden y compran cosas o derechos. En el cine llamamos mercado a las ferias en las que se venden y compran los derechos de películas   y programas de televisión, como el American Film Market, el MIFED de Milán, el NAPTE de Nueva Orleans y Las Vegas, el MIP, el MIPCOM y el Festival de Cine de Cannes, el de Berlín, el de Toronto, el de televisión de Montecarlo o el Suny Side of Doc.  Y cuando utilizamos la expresión mercados nos referirnos  a las zonas geográficas en las que se va a explotar una producción o a los medios tecnológicos  de explotación: salas de cine, televisión o  DVD. Sin embargo hoy en día, el uso más generalizado de la palabra, mercado en nuestro mundo es un concepto, que expresa la relación de la oferta y la demanda.  En el 2014, en Europa, de la oferta total de películas europeas en salas, el 1% satisfizó la demanda del 47% de los espectadores, mientras que el 99% de las de películas estrenadas en salas se repartió la demanda del 53% . Como se estrenaron 1603 películas europeas, significa que 16 películas fueron vistas por el 47% de los espectadores. Los productores viven pendientes de la cuota de mercado, que este año en el cine español ha sido del 19,9%.

Festival de Berlín

  Maketing es otra  de las palabras que con mayor frecuencia se escucha en el cine. Distinguimos entre estrategia y campaña de marketing. La estrategia comienza con el rodaje para dar a conocer una película a distribuidores, agentes de ventas, exhibidores y medios de comunicación. Se diseñan las distintas actividades para este fin, que se desarrollarán hasta su estreno. Las políticas que se adoptan dependen de las características de cada película y de la estructura de los mercados. Es bastante habitual para el cine de calidad hacer su lanzamiento en un Festival Internacional. Ahora se aproxima el Festival Internacional de Berlín., 11-21, febrero y es el primer gran escaparate del año para este cine. Un director polaco, lanzado por los Festivales, Tomasz Waslewski, estará presente con su película United States of love, sobre mujeres, con mujeres y contada por mujeres. Acaba de finalizar el Festival de Sundance que promueve películas ambiciosas, como la que ha obtenido el Premio de Mejor Dirección, Bélgica,  de Felix Van Groeningen , relato de dos hermanos que montan un bar y refleja bien la vida nocturna. Con la globalización cualquier Festival crea noticias mundiales, de gran interés para las películas de directores que comienzan, como el Festival de Trieste, cuya 27 edición acaba de terminar y su Premio ha sido ganado por Wednesday child, brillante ópera prima del húngaro, Lili Horvath, sobre una madre que en un barrio periférico de Budapest lucha por la custodia de su hijo. En cambio utilizamos la expresión campaña de marketing para referirnos a la publicidad o a las acciones promocionales para crear el interés de los espectadores.

       Los publicidad en un sentido estricto son los anuncios pagados en los medios de comunicación. Y comprende en un sentido amplio el desarrollo de las actividades con diseñadas para la campaña de marketing, como la distribución de carteles, press-books, de los trailers y making.-off, organización de  entrevistas, ruedas de prensa, etcétera.  A veces decimos que un actor o director tienen un valor de mercado, traduciendo mal la expresión inglesa marquee value, que se podría traducir por valor de marquesina o cartelera. Expresión que procede de las carteleras que se situaban en la puerta de entrada de las salas de cine con imágenes de las películas en las que se encontraban actores atractivos para el público. Las campañas de marketing se preocupan principalmente de que todas sus acciones tengan repercusión en las  televisiones.


            Hoy la principal actividad promocional son las noticias que sobre una película aparecen en las televisiones, las entrevistas con sus actores o creadores, y sobre todo la campaña con spots publicitarios de una película. Por eso es tan importante que el Estado como en Italia promueva acuerdos entre las televisiones privadas y los productores de cine. Los productores verán elevarse los ingresos de sus películas y las televisiones privadas la calidad de las producciones en que participan. Los Goya de este año son un buen argumento a favor del entendimiento.